Art + Disseny. Enginy, humor i WOW

Unes poques nits de novembre fredes a Nova York, milers de coneixedors d’art, col·leccionistes, galeristes (i el seu personal), dissenyadors d’interiors i d’altres als quals els agrada una fantàstica cocteleria i objectes d’art impressionants, van confluir al Parc Avenue Armory a OMG, OOO i AhAha per obres originals de gran bellesa (i preus fantàstics) per recaptar diners per a organitzacions benèfiques (incloses la Dia Art Foundation i Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique i InCollect van participar com a patrocinadors de l'esdeveniment.

Cinquanta-sis propietaris de galeries d'11 països (inclosos els EUA. Europa, Regne Unit, Alemanya, Bèlgica, França, Dinamarca, Itàlia, Mònaco, Països Baixos, Sud-àfrica, Espanya i Suècia) de 30 galeries internacionals - van presentar un enfocament global al modernisme. El saló mostrava (per compra i admiració) mobles històrics, moderns i contemporanis, dissenys originals i art de finals del segle XIX-XX.

 Valor de l'economia creativa

El 2015, el valor de la producció artística i cultural als EUA va ser de 763.6 milions de dòlars, el que suposa un 4.2 per cent del producte interior brut. Les arts van contribuir més a l'economia nacional que la indústria de la construcció, la mineria, les assegurances, l'allotjament i la indústria del servei d'alimentació.

• Els artistes creatius són un actiu econòmic als EUA i el 2015, gràcies als artistes, els Estats Units tenien un superàvit comercial de 20 milions de dòlars en productes artístics i culturals (Amèrica va exportar 63.6 milions de dòlars i va importar 42.6 milions de dòlars d’art i cultura).

 

• Els consumidors de l’economia creativa gasten més de 102.5 milions de dòlars en arts, inclosos béns i serveis, entrades, menjar, allotjament i regals (2017).

 

• El sector de les arts i la cultura proporciona un gran nombre de llocs de treball (4.9 milions el 2015), que representen el 3 per cent de tots els llocs de treball dels Estats Units, que, col·lectivament, pagava als treballadors 372 milions de dòlars.

Els Estats prosperen des de les arts

Entre els estats, les arts representen la major part de l’economia de Washington, un 7.9 per cent o 35.6 milions de dòlars. Basant-se en la indústria del cinema i la televisió, l’economia artística de Califòrnia rep la major quantitat de diners entre els estats, amb 174.6 milions de dòlars (7 per cent).

Nova York ocupa el segon lloc en ambdues categories, amb les arts que aporten 114.1 milions de dòlars (7.8 per cent) a l’economia. Els 462,584 treballadors de les arts de l’Estat van guanyar 46.7 milions de dòlars col·lectius (2015).

Delaware depèn menys de les arts, que només representen l’1.3 per cent de l’economia de l’estat, és a dir, 900 milions de dòlars.

L’esdeveniment: el Salon Art + Design Show

Atès que molts artistes presenten les seves obres més recents en aquest esdeveniment, apareix al capdamunt de la llista de coses per fer del món de l'art. M’hauria agradat adquirir gairebé totes les peces que es mostraven, però el temps, l’espai i els recursos limitats prohibeixen aquesta activitat; tanmateix, puc recomanar algunes "de les meves coses preferides".

Selecció seleccionada

1. Molly Hatch. Todd Merrill & Associates Studio. Nova York

Molly Hatch aporta el WOW a l’art contemporani. Ha transformat el que havia estat un tòpic (plats pintats a la paret populars als anys quaranta) i ha convertit el concepte en obres d’art col·leccionables que s’adapten a l’estil de vida mil·lenari (mòbil, lliure i canviant).

Els plats penjants era una forma tradicional d'exhibir vaixella decorativa i ha format part de moltes cultures des d'Europa fins a Àsia. Fa segles, les elaborades exhibicions de plaques a una casa eren un signe de riquesa i un alt estatus social.

Avui, Hatch dissenya les seves plaques per penjar-les a les parets perquè puguin ser observades i admirades. El seu paladar sobredimensionat i orientat al color anima els espectadors a reconsiderar el que és nou i el que ara és; el que era normal ara és extraordinari.

Hatch va néixer el 1978. La seva mare era pintora i el seu pare, productor de productes lactis ecològics. Va estudiar dibuix i ceràmica, obtenint el BFA de la Museum School de Boston, MA. Després de la universitat, va treballar amb la terrissaire Miranda Thomas a Vermont i les residències de ceràmica van continuar als Estats Units i a les Antilles. El seu MFA en ceràmica és de la Universitat de Colorado, Boulder. El 2009 va rebre la residència d’art / indústria en ceràmica al John Michael Kohler Arts Center de Wisconsin.

Actualment Hatch treballa des del seu estudi a Northampton, MA. A més de ceràmica, és escriptora, artista dissenyadora i crea patrons de tela, mobles, joies, gravats, dibuixos a ploma i tinta i pintures. S’inspira en les tendències històriques en teixits, tipus de lletra, ceràmica i mobiliari, i reconeix un estil de vida contemporani que inclou inclinacions al hip-hop, lletres de cançons indie, missatges de text i col·loquis col·leccionats.

2. Hubert Le Gall. Galeria del segle XXI

 

El dissenyador francès Hubert Le Gall va néixer a Lió el 1961. Va ser cap de direcció a la universitat i, després de graduar-se, es va traslladar a París (1983). El 1988 va començar a pintar i esculpir, dissenyant mobles que eren claus de límit, vinculant el poètic i la fantasia amb el funcional.

S'inspira en allò que és surrealista, però amb xiuxiueigs (i crits) a les civilitzacions gregues i romanes, els segles francès del segle XVIII, l'Imperi, el Modernisme i els períodes Art Deco. També s’ha inspirat en Salvador Dalí, Jean Cocteau, els surrealistes i Max Ernst.

La seva obra va obtenir aplaudiments internacionals el 1995, quan va ser descoberta i promoguda per la galerista Elisabeth Delacarte. La seva primera exposició va ser a la Galerie Avant-Scene parisenca i les obres exposades (incloses les taules de margarides i les comoditats de flors) s’han convertit en una de les seves peces d’autor.

3. Rich Mnisi. Sud-Àfrica

 

Rich Mnisi, nascut a Sud-àfrica, va començar la seva empresa el 2014. És destacat com a líder en ciències de la moda i reconegut com el jove dissenyador de l'any de la moda internacional d'Àfrica (2014).

La seductora butaca de cuir de Mnisi pren la forma de la de Nwa-Mulamula (The Guardian) que representa la presència de la seva besàvia. És la seva existència i els seus ensenyaments els que duren per sempre a través de la narració d’històries, generació rere generació. El tamboret, en forma d'ull amb tolls d'or, "... representa les seves llàgrimes, que mai van ser en va. Sense el seu dolor i les seves experiències, jo no existiria. No podria ser la persona que sóc avui ”(Rich Mnisi).

Les formes sensuals són atemporals i la seva essència és exclusivament africana, alhora que és universalment fascinant.

4. Reinaldo Sanguino. Galeria Future Perfect. Nova York.

 

Reinaldo Sanguino va néixer a Veneçuela i actualment treballa a la ciutat de Nova York. Les seves peces d’art i ceràmica fan un homenatge a la vitalitat del seu entorn i cada peça única utilitza el mitjà de fang com a estructura i tela.

Sanguino es va graduar a l’Escola d’Arts Visuals Cristobal Rojas de Caracas, Veneçuela. Va desenvolupar la seva tècnica basant-se en el seu interès per la porcellana de Meissen i la seva importància en la història europea. Està inspirat i influït per la pintura a l'estil del graffiti i la seva obra crida l'atenció pels colors vibrants, les textures i els materials mal·leables.

El 2007 va ser nominat al Premi Biennal Louis Comfort Tiffany i un dels artistes participants a la 5a edició El Museo Del Barrio de la Biennal 2007-2008, "the (S) Files" de la ciutat de Nova York.

Les obres de Sanguino han estat exposades a la Sultan Gallery, com a part del Projecte Dean Nova York; el Museum of Arts & Design, Nova York; el Museum of Fine Arts, Houston, Texas; el Museu MINT de Charlotte, Carolina del Nord i el Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis, Minnesota. Va debutar a Design Miami amb The Future Perfect (2017).

5. Pamela Sabroso i Alison Siegel. Galeria Heller. Nova York

Pamela Sabroso va rebre la seva llicenciatura en artesania i estudis materials de la Virginia Commonwealth University (2007) i Alison Siegel va obtenir el llicenciat en belles arts per la Universitat Alfred (2009). Actualment viuen i treballen a Brooklyn, Nova York.

Van començar a treballar junts el 2014 descobrint que les seves idees sorgeixen i es fusionen a través de dibuixos, discussions i la fisicitat de treballar junts. Junts són aventurers i aporten una nova qualitat única i fresca a cada objecte que creen. Els treballs finals són divertits, intel·ligents, animats, poc convencionals i entranyables. Treballant definitivament al segle XXI, comparteixen una llibertat creativa que té les seves arrels en el primer moviment americà Studio Glass.

Els treballs intensius en mà d'obra comencen per la fabricació de peces i motlles de cera per bufar vidre i s'estenen fins al bufat de vidre. Sabroso, parlant del seu treball amb Siegel, “… per ser creatiu heu de deixar-vos vulnerables. Quan ets honest de qui ets, reveles una perspectiva única i estranya. Les nostres creacions combinades són Stranger Together. ”

6. Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg Belles Arts. Nova York

Wright va néixer a Richland Centre, Wisconsin (1867). Durant els seus 70 anys de carrera com a arquitecte, Wright va crear més de 1100 dissenys. Tot i que va ingressar a la Universitat de Wisconsin (1885) i va estudiar enginyeria civil, aviat es va mostrar insatisfet amb aquest camp. Quan va treballar per a Joseph Silsbee en la construcció de la capella Unity, es va adonar de la seva passió per l'arquitectura, de manera que es va traslladar a Chicago i va aprendre a la firma d'arquitectura d'Adler i Sullivan, treballant directament amb Louis Sullivan (1893).

Després es va traslladar a Oak Park, Illinois i va començar a treballar des del seu estudi on va desenvolupar un sistema de disseny desenvolupat a partir d'unitats de quadrícula amb un enfocament en materials naturals que es va conèixer com la Prairie School of Architecture.

Durant els anys vint - trenta va dedicar el seu temps a ensenyar i escriure. El 1920 va començar a treballar a Fallingwater, el seu disseny residencial més famós. Entre els anys 1930 i 1935 es va centrar en dissenys usonians que reflectien la seva creença en l'arquitectura democràtica, oferint opcions residencials de classe mitjana.

El 1943 va dissenyar el Museu Solomon R. Guggenheim de Nova York. El museu es va inaugurar el 1959, sis mesos després de la seva mort, i es considera la seva obra més significativa.

La Bernard Goldberg Fine Arts Gallery de Nova York va començar el 1998 per un advocat de Nova York. Avui la galeria està especialitzada en art americà (1900-1950), incloses les pintures, escultures i obres sobre paper d'Ashcan, modernistes, realistes urbans, realistes socials i regionalistes.

El Hoi Polloi que assisteix a l'esdeveniment

 

Cerqueu el saló el novembre de 2019. Feu les vostres reserves abans d’hora ... aquest és un esdeveniment estel·lar per a qualsevol persona que trobi fascinant el món de l’art i el disseny.

© Dr. Elinor Garely. Aquest article sobre drets d'autor, incloses les fotos, no es pot reproduir sense el permís per escrit de l'autor.